好莱坞经典电影清单

《 欲望号街车》 1951年9月


导演:
主演: 费雯.丽
马龙.白兰度


欲望开向何处


电影百年，要一一追溯历史，需时需力，省事的人，如我，便挑经典，以一当百，须臾间走过光阴。有人质疑说，看经典需要了解它当时的背景。这是好的，但无疑也是一费时费力的功夫。我的看法是，若一部片子无法抓住和它不同年代人的心，那么它就不能称之为经典。
于是便放心大胆地在没有任何背景资料的前提下看电影去了。
一个女人布兰奇（费雯丽饰演），她从火车上下来，带着初到一个陌生地方的迷茫，开始了影片。她要找自己妹妹的家。她的迷茫在找到妹妹后消失，取而代之的是喋喋不休，先说妹妹住的地方不好，然后是自己的工作……她基本上不给别人说话的机会，一看就是个讨厌角色。她就这样不停地说话，用华丽的词藻夸张的动作，开展故事。
她的到来，给妹妹一家带来了不和谐。妹夫（马龙.白兰度饰演）不喜欢她。有了她，妹妹和妹夫争吵不断。
布兰奇忽略这些争吵，不断地说谎，编造一个又一个谎言，连环不断，营造一个假象：她生活在一个美丽的地方，周围都是围着她的绅士追求者。
事实上是她和妹妹妹夫住在一间破房子里，分给她的是一张破床，背后是妹妹和妹夫吵架声。她的衣服和首饰廉价而不值钱，曾经的财富变成成百上千的文件，显示着她现在一文不名。追求她的也不是什么上流人物，是和妹夫同属一个阶层的工人。
她勾引着每一个男人，包括她的妹夫、妹夫的朋友、上门的年轻人。
她的假模假势、文艺腔调让人看的十分不耐烦。
可随着剧情的发展，她的过去慢慢展开：她对以前丈夫念念不忘，留着无用的情书缅怀，向每一个人描述着过去的美好；对过去的留恋让她对镜自伤，独自随着音乐起舞歌唱；也曾一个人盛装打扮，可惜却等到了禽兽一般的妹夫；憧憬爱情的甜蜜，可惜还没等到开花结果，已被事实无情地击碎。
她孤独、寂寞、无助，需要一再地说服自己，给自己希望才能生存下去。
她可笑地维持着自己优雅的生活，讨好每一个遇到的男人。
看着让人渐生怜意。
影片的最后是她疯了。虽然她嘴边谎言不断，心却从不说谎，可惜早被别人贴上了“不纯洁”的标签，无论去到哪里，都改变不了。她等待的爱情始终都没有来临。没有仁慈好心的人原谅她曾经的放荡。她沉迷在自己编织的甜梦中，等着仰慕者的电话，希望登上那开往幸福的游船。
若按她原来的模式继续生活下去，她的发疯是迟早的事情，电影只是把矛盾集中在一起，来了个提前爆发。
理想与现实发生冲突时只有两条路让人走，一是实现理想，一是妥协现实。没办法走上这两条路的人，只能在痛苦中徘徊，直至死亡或发疯，完全去到另一个世界才得到解脱。
布兰奇就是其中的一个典型。
这是一部哀伤得让人深刻的电影，看了一次，不想再看第二次，可里面的影像牢牢粘着记忆，难以忘掉，不得不一吐为快。照现在的标准，里面有太多失败的小人物，吞枪自杀的失业诗人（布兰奇的前夫）、被学校开除的女老师（布兰奇）、下嫁给粗俗工人的女人（布兰奇妹妹）、从警官滑落成车间工人的男人（布兰奇的妹夫）……可无论对谁，也恨不起来。错的也许只是社会。他们生活着，挣扎着，看不见前方的道路，人生仿佛已被浓缩在牌桌酒精里。
田纳西.威廉斯早期曾说过，他的作品只有一个主题，那就是社会如何迫使那些心智敏感而又不想循规蹈矩的人走向毁灭。
无论在哪个时代，总有人被自己的欲望引导，在现实的倾轧下，最终走向毁灭。
在布兰奇的年代，女人最大的敌人不是女人，她唱的挽歌不会是女人何苦为难女人，相反，同性之间的友谊非常稳固。别人都不相信她，只有她妹妹和邻居站在了她这一边。布兰奇最大的敌人是男人，这同时也是她最想依靠的生物。她这个高贵的淑女却连下嫁给一个工人尚且不能，还被粗俗的妹夫强奸。在最后的理想幻灭后，她怎能不疯？
布兰奇毁灭时，电影也就结束了。
费雯丽的表演入木三分，诗化的对白，多变的口气，一惊一乍的表情，把布兰奇神经兮兮的形象演绎得活灵活现。听说她在演完布兰奇这个角色后，由于入戏太深，直接被从片场送到了精神病院。
对于马龙.白兰度，也许是审美观已经改变，也许是影片对他的故事挖掘得不够深，他在片中的表演并未感到太大的惊艳。说他是一个“巨大的行走的阴茎”是确切的。
看完影片后，还是忍不住找了相关的背景来看。先是关于导演，后是演员，然后是编剧，于是牢牢记住了人生如戏的田纳西.威廉斯。
在人的世界里，错的永远都是社会。
人会思想，这些思想让人或落后于社会，或适应于社会，或超前于社会。
田纳西.威廉斯写的是落后于社会的这一群。落伍的优雅与现实的粗鄙碰撞，于是有了布兰奇。
情感使人留恋过去的美好，代代如此。
疯女人不止布兰奇一个。
悒郁的悲歌总随着昨日的没落响起，黏附在新生的岁月中，在绝望中等待再度萌发。
欲望驶向的地方是毁灭的深渊，若不能悬崖勒马，除了痛苦的呐喊，别无它途。

才看过几部的路过~~~{:soso_e109:}

3D"泰坦尼克"中文预告首发 卡梅隆名作再启航

本帖最后由 wzp 于 2012-2-8 16:26 编辑

《孤星血泪》 1946年12月


导演: 大卫.里恩
主演: 约翰.米尔斯
瓦莱丽.霍布森





孤星血泪》是根据狄更斯长篇说《锦绣前程》改编的。这部小说是狄更斯的晚年
作品，社会批判意义较前期作品更为深刻。小说名为《锦绣前程》，实则是描写主人公
匹普想当上等人幻想的破灭，书名是一种反讽。

文学作品与电影在表现手段上有质的差异，因此成功的改编之作甚少。本片是狄更
斯作品搬上银幕最成功的一部，多年来一直受到观众的赞赏。影片首先忠实地再现了
原著的主题和人物性格。狄更斯的作品一向讴歌劳动者的朴实真诚，鞭挞有钱人的自私
冷酷。这部小说在展示这一主题时还表现了知恩感恩与忘恩负义的思想。影片中匹普幼
年时常受姐姐的虐待，但乔却非常关心、爱护、体贴他。影片在表现匹普遭受鞭打时采
用声画对位的剪辑手法，将鞭打声与乔的反应镜头组合起来，从而表现出乔对匹普感人
至深的关切。匹普离开乔去伦敦，乔既高兴又依依不舍。他十分明白自己与“上等人”之
间有着不可逾越的鸿沟，匹普当了上等人，他将失去匹普；但他仍为匹普的前程而高兴。
蓓蒂教小匹普读书，但对他读书的目的是想成为上等人使艾斯泰拉能平等相待却不以为
然。乔和蓓蒂安贫乐道，有自己的尊严。匹普梦破之后大病一场还欠了债，他们把他接
回老家精心护理，给他温暖，为他还债。相反，哈薇森小姐为了一雪被新郎遗弃的旧恨，
不惜操纵艾斯泰拉向男人报复，从小把她培养成狠心的人，长大让她嫁给有钱的坏蛋
朱默尔；另一方面，又不断唆使艾斯泰拉逗弄匹普，让匹普爱她，到头来再把他们拆散
，两人都成为她的牺牲品。影片从这种对比中忠实地再现了狄更斯的原作精神和人物面
貌。影片对忘恩负义的谴责也是深刻的。匹普在伦敦过上上等人的生活之后，乔来看他，
匹普嫌乔土气，与自己的身份不相称，但又不能不维持礼貌接待他。乔看出了这一点，
相见十分拘谨。只见他小心翼翼把礼帽放在壁炉架上，架狭，帽子掉了下来；他用衣袖
擦过帽子又放回原处，不幸又掉下，乔边捧着帽子边追逐起它来，直到它落在桌上的盆
里被弄扁了。这个喜剧性细节毫无嘲弄乔的意味，而是表现了乔敏锐地感觉到匹普做上
等人的意识已使他不能平等相待自己的反应。乔临别时先称匹普为先生，接着忍不住称
他为老朋友，说“你要把我当成乔那个铁匠，就不会看我不顺眼了”。编导里恩借乔的
话批判了患上“势利病”的匹普。原著采用匹普成年后回忆往事的第一人称手法，有许
多心理活动可以尽情抒发，里恩在改编时找到了简洁的对等物--成年匹普的画外音。
匹普得知乔来看他，生怕给他丢丑，这时他的心理活动用的是声画对位，由匹普的内心
独白(画外音)自责说：“我一心想当上等人，结果成了一个势利小人。”这是成年匹普
回忆往事时的自责，有现身说法之妙，并有助于匹普形象的塑造，说明匹普毕竟出身卑
微，没有丧失他善良的本质。匹普应哈薇森要求回老家，一路上乔朴实的自尊深深地谴
责着他，他心里打算好好跟乔叙旧，可是驿车越往前走，他就越犹豫，影片这时声音和
形象脱离，画面上是他坐在车里，但听到的却是许多声音。乔、蓓蒂、艾斯泰拉和哈薇
森都在议论他。他耻于住进铁匠铺，他的内心独白(画外音)批判自己说：“天下的骗子
莫过于一个欺骗自己的人。”他还是住进了蓝野猪饭店。

知恩感恩是忘恩负义的对立行为。一个逃犯只因为在他极端饥锇时匹普以肉饼和酒
相助，他发誓要把这孩子培养成上等人，这表明受人唾弃的囚犯对于爱和善良的渴望。
影片对麦格维区的同情再现了小说的人道主义精神。而麦格维区对匹普的感恩与匹普对
乔忘恩也形成了对照。匹普的钱连同艾斯泰拉都来自他所不齿的下等人，而不是他所寻
求的上流社会，他的势利就更具有深刻的讽刺意味。遗憾的是里恩未交代清楚麦格维区
与疤面人的关系。原著中疤面人是教唆麦格维区犯罪的主犯(也是抛弃哈薇森的那个新郎
)，因为有钱，后来竟逍遥法外。狄更斯以此批判了维多利亚时代的社会丑恶现象，揭露
了在法律面前穷人和富人是不能平等的。但里恩唯恐枝蔓，删去了这部分情节，这样就
降低为两个有私仇的逃犯间的冲突，从而削弱了影片的批判力。

狄更斯的小说具有电影化的特点，尤其擅长用孩子的视角和主观感受来观察事物。
里恩很好地利用了这些描写，创造出富于狄更斯特色的带有夸张色彩的图景，使观众“
分享匹普自己的被夸张了的经验”(里恩语)。例如影片开始时匹普在墓地与逃犯相遇这
场戏，摄影机从小匹普的视角拍摄下古树像古怪的人身， 桠如瘦骨嶙峋的双手伸向匹
普，狂风呼啸，小匹普惶恐地跃起奔跑，摄影机跟拍他撞在逃犯身上。这里主观镜头和
声音使我们获得与匹普同样的感觉，他吓得逃跑，我们也跟着逃跑；他撞在逃犯身上，
我们仿佛也撞在逃犯身上。逃犯恐吓匹普有大段描写，说如果匹普不照办，他就扒出匹
普的心肝烤了吃。还有个年轻人比他更厉害，哪怕锁上门，被子蒙住脑袋，也能爬
进把他撕开。吓得匹普整夜胡思乱想，不敢睡觉。在电影中里恩以逃犯恐吓的画外音配
合匹普上床、蒙被的动作来表现他想逃也无处可逃的惊恐感。在下楼偷肉饼一场戏中，
楼梯板的每一次响动仿佛都会吵醒乔太太，吓得匹普直哆嗦。匹普越过洼地给逃犯送食
物的场景中，每头牛都仿佛在数落他偷了东西，要逮住他。影片运用声音，使观众体验
到小匹普做“贼”心虚的感觉。这几个场景，狄更斯的描写本来很电影化，对孩子的心
理描写也非常精采，但是能这样简洁地让观众配合画面感受到孩子的思想，则是里恩的
创造。影片让观众得到的萨梯司宅邸和哈薇森小姐的最初印象，也是从小匹普的视角来
完成的。小匹普被送到目的地后，就从匹普的眼睛、因而也让观众看到钟的指针停在8时
40分上。匹普停在哈薇森小姐房门前迟迟才打开门。他视角所见的景象，除了温度和霉潮
气无法在影片中表现外，完全再现了小说描写的情景。哈薇森小姐黑暗的房间里，蜡烛
发出幽暗的光，阴森森的到处是蛛网和尘土，梳妆台上放着圣经、白手套和珠定首饰；
长餐桌上有个落满尘埃、很难辨认的结婚蛋糕。那件白结婚礼服已经变灰。她形容枯槁
，声音沙哑，令人生畏。影片中怪诞的哈薇森小姐和她的周遭环境，比小说更能将幻想
与现实融为一体。此外还有两处运用匹普视角使得观众认同他的感受：一是匹普姐姐宴
会开始，小匹普如坐针毡生怕偷肉饼的事被发现。在姐姐准备去取肉饼时，他起身开门
逃跑，径直撞到门外的士兵身上。这时观众思想毫无准备，也跟小匹普一样吃了一惊。
另一处是，风雨之夜麦格维区来访，匹普应声开门时，摄影机从匹普以视角对着麦格维
区，突然看见那个高大的不祥的黑色人形，缠着围巾，右眼带着黑眼罩，使我们吓了一
大跳。

影片将小说中一些次要人物及其情节线索全部删掉，从而显得紧凑。对有些过场戏
转接得也很流畅。例如从匹普开始拜乔学艺到贾格登门造访之间，影片跳过小说叙述的
大段篇章，从小匹普告诉哈薇森要跟乔当学徒以后不能再来玩直接跳到贾格到铁匠铺的
场景。我们听到他在回答贾格的问题，看见的则是大匹普投在墙上的影子，然后才看见
密尔斯，这种转换使匹普的变化不至于过于突兀。在这个镜头中匹普还穿着铁匠围腰，
下个镜头立即转换到他的脚，然后摄影机向上摇，看到他已经穿着新衣服站在萨梯司宅
邸门前了。匹普学做上等人的过程也压缩为由学习舞蹈、拳击和剑术一组画面来表现。
他接受用餐礼仪的指点是在赫伯特给他讲述哈薇森往事的同时顺带进行的。这样一些压
缩和删节，既能使影片精炼，又能腾出容量发挥其他必要的细节，使影片显得更为丰富
而无枝蔓。

小说中背景的描写十分有特色，对英国东肯特区寒冷、孤寂的沼泽地带的描写尤其
出色；但原作中有关淤泥的描写是不可能搬进影片的。里恩作了自己独特的、富有表现
力的处理。在影片开场那段戏中，泰晤士河口日落时分，一个孤单的小男孩——匹普——
远景，他沿着河岸奔跑，跑过弯曲的小道，道旁竖着一个绞架，他跑向墓地。这场景
是在沼泽地实地拍摄的。光影、渺无人烟的沼泽地、绞架、坟地以及像鬼啸似的狂风，
把这场戏的气氛表现得十分凄厉。原小说中的一些背景有着象征意义，破败的萨梯司宅
邸背景和那些停摆的时钟，不仅象征哈薇森世界的停顿、艾斯泰拉的逐步被毁，也预示
着匹普进身上流社会之梦的幻灭。律师贾格事务所墙上陈列着的从罪犯脸上拓下的面模
，象征着贾格的生活。这些背景在影片中也得到了准确的体现。

纪念狄更斯诞辰二百周年

本帖最后由 wzp 于 2012-2-17 09:33 编辑

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　　乔治·克鲁尼曾这样说过：“得奥斯卡奖挺有意思的，因为这辈子你都甩不脱这个名分了。例如讣告可能写到：奥斯卡奖得主，世界上最性感的男人，蝙蝠侠的扮演者乔治·克鲁尼，死于一次疯狂的事故。”美国电影圈的从业人员把获得奥斯卡奖作为最高的荣誉，视为从同行那里获得的认可与赞美，是他们电影事业的终极目标。

　　对于世界各地的普通观众来说，无论是为自己选片，还是向友人推介，奥斯卡历年的获奖片单可以算得上是一份靠谱的观影指南。然而对于“奥斯卡”，或者更准确的称呼“学院奖”本身，作为一个普通影迷，你到底了解多少？是谁设立了奥斯卡奖，为什么叫做“奥斯卡”，哪些影片有资格参加评选，是谁来投票决定奖项归属，奥斯卡真的是至高无上的荣誉吗？

　　——外行看热闹，内行看门道，知道了奥斯卡奖本身的种种来龙去脉，或许将更容易理解这个电影嘉年华的意义和价值。

本帖最后由 wzp 于 2012-5-3 16:08 编辑

《胡佛》 2011年

导演: 伊斯特伍德
主演:


在学院评委之间渐渐失灵的克林特·伊斯特伍德、早晚拿影帝组组长莱昂纳多·迪卡普里奥、《米尔克》的同志编剧达斯汀·兰斯·布莱克，三位一起拍美国政坛最有权势最受争议的传奇，FBI掌权人约翰·埃德加·胡佛，这卡司和题材从电影立项开始足以让人疯掉，胡佛的坛上战功和坛下臭名昭著太有吸引力，讲任何一个他的故事都能牵扯出美国政坛秘史或者丑闻，他未出柜同志和时尚先锋（异装癖）身份从未被证实，老牛仔该怎样排除现任联邦调查局官员和民间压力，处理那些并非史实的神秘事件？① 达斯汀·兰斯·布莱克会不会把《胡佛》写成office版的《断臂山》？② 李奥怎样表现性格这么复杂纠葛的政客以及他的性取向？③


①伊斯特伍德执导筒真是瘦死的骆驼比马大，发挥失常也具备相当可看性，比如《胡佛》的好几个段落看得一向抗拒政治题材的我汗毛直立，但这次《胡佛》在奥斯卡被彻底无视也不能算爆冷或者委屈。伊斯特伍德今年82岁高龄，可以想象他经历过的战乱，朝鲜越南伊拉克...老而弥坚的牛仔爷爷内心也是充满战争的创伤，于是他老人家深深地感到他心中的美国需要一个英雄，他镜头里的胡佛不能说完全是伟人形象，但的确有为其辩护的嫌疑。
电影开篇八个城市同时遭炸弹袭击，犯罪现场的领导们装模作样，一副根本不准备干实事的德行。这时胡佛踩辆自行车屁颠屁颠来视察现场，那身手真是人民的好干部，接下来就是升官、跟young lady约会，他将管理美国国会图书馆的理念运用到FBI，改组整治FBI，创建指纹库，林德伯格绑架案使FBI名声鹊起，胡佛权势持续扩张。
托胡佛的福，广大影迷终于见到自毁形象很多年重新变美颜的小李！面部光滑、眉心的“川”字不明显，虽然还是油光的大背头但放在20s乃是时尚先锋一枚。这个阶段的胡佛整个一乱世豪杰！
影片后半程，胡佛为了扩张掌权势力不择手段调查和迫害激进人士，收集政要丑闻作为威胁他们的武器，总统甚至因为怕丑闻公之于众而不敢解雇他（其实总统本人也不确定丑闻是哪一则...），这个部分在观众看来应该是胡佛臭名昭著的昏招，却被伊斯特伍德描述的像维护自身权利的防守，胡佛不断礼貌地提醒各位政客做好分内即可千万别乱来，伊斯特伍德又不停安排情节为胡佛找借口开脱，以至于胡佛职业生涯尽头的癫狂没有高潮迭起惊心动魄，能感受到他越来越变态和偏执，但不知道为什么，也无法认同他对着镜子发泄的源头.
这个部分印证了影片上映后北美媒体的主要槽点，因为不完整而越发展越荒谬，将胡佛传奇的从政经历横跨的数十年娓娓道来，并且老年和青年交替行进太难了，它需要将历史事件一一对应以便制造出精彩的呼应，《胡佛》就像当年不间断的各色变革和冲突一样，突兀之感到处都是。另外，影片没完没了的闪回闪前有点难跟进，丝毫不见政治斗争的紧凑感。

②值得肯定的是编剧达斯汀·兰斯·布莱克没把《胡佛》写成浪漫的钙片，电影的迷人的黑暗气息和冷峻还在。当中有一幕与克莱德·托尔森的吻戏，但两个终年未婚男人的暧昧仅作为胡佛职业生涯的附属品存在，另外包括与机要秘书海伦·甘迪的关系也没占用太多时长。
事实上在《胡佛》中，克莱德和海伦的功效是映射出胡佛比坛上更真实更软弱的一面，在克莱德面前胡佛是孤独的老头，他在影片中没有一刻不身处于矛盾争端，追逐权力的同时变得愈发虚伪和贪婪，克莱德的每次出现都将胡佛从政要拉回到普通人。一个女秘书帮政坛霸王干侵犯政要隐私的勾当超过50年，帮他处理公事和私人情感，红颜知己海伦对于胡佛来说简直像个垃圾桶，堪称史上最坚韧的女秘书！在左膀右臂的加持下胡佛形象还算饱满。
另外，剧本没有仅仅摇摆于胡佛的青年与老年，或是往返在他的公开场合与私人密会，而是将这些部分通过胡佛自己同自己辩论的方式呈现。论台词，《胡佛》没有一个字是多余的，全部声东击西暗有所指，显示出达斯汀·兰斯·布莱克的功底和内涵。

③个人对小李的才华和冲奥韧性非常崇拜，也总听人说奥斯卡欠小李人情，影帝早应该拿到手，看过《胡佛》突然意识到他总为别人得奖而鼓掌是有原因的。小李19岁演《不一样的天空》时还属于走心型演员，follow his heart，后来被几位大导演调教得越来越方法派，电影开拍前查阅无数相关资料，一入戏就将自己消遁于无形，抹杀李奥本人，抹杀之前所有成功角色的存在。
演胡佛也一样，不论服饰发型，不论化妆，那个眼神就已经证明李奥已经抓到胡佛神髓。演胡佛可能是小李入行以来遇到的内心活动最多的角色，得志时的狂妄、斗志时的坚毅和失意时的沮丧都是即浮夸又张扬，小李的表现当然也是无可挑剔。但方法派演员的一个通病是很难带来观影的惊喜和全新感受，所以小李每次出击都获得大把赞誉，当中也夹杂着用力过度、太戏剧化反而不真实、表演痕迹太重等稍负面的评价。
影帝提名早已尘埃落定，这样一部饱含了小李的无尽心血和诚意的野心大作沦落到食白果的地步，今年《了不起的盖茨比》瞄准圣诞档，又是一部向学院献礼的申奥片，重回20s的小李该不会...或许等到小李不再逢拍片必冲奥时，他就不会因用力过猛遭诟病，影帝也就水到渠成了。

本帖最后由 wzp 于 2012-5-3 16:07 编辑



在学院评委之间渐渐失灵的克林特·伊斯特伍德、早晚拿影帝组组长莱昂纳多·迪卡普里奥、《米尔克》的同志编剧达斯汀·兰斯·布莱克，三位一起拍美国政坛最有权势最受争议的传奇，FBI掌权人约翰·埃德加·胡佛，这卡司和题材从电影立项开始足以让人疯掉，胡佛的坛上战功和坛下臭名昭著太有吸引力，讲任何一个他的故事都能牵扯出美国政坛秘史或者丑闻，他未出柜同志和时尚先锋（异装癖）身份从未被证实，老牛仔该怎样排除现任联邦调查局官员和民间压力，处理那些并非史实的神秘事件？① 达斯汀·兰斯·布莱克会不会把《胡佛》写成office版的《断臂山》？② 李奥怎样表现性格这么复杂纠葛的政客以及他的性取向？③


①伊斯特伍德执导筒真是瘦死的骆驼比马大，发挥失常也具备相当可看性，比如《胡佛》的好几个段落看得一向抗拒政治题材的我汗毛直立，但这次《胡佛》在奥斯卡被彻底无视也不能算爆冷或者委屈。伊斯特伍德今年82岁高龄，可以想象他经历过的战乱，朝鲜越南伊拉克...老而弥坚的牛仔爷爷内心也是充满战争的创伤，于是他老人家深深地感到他心中的美国需要一个英雄，他镜头里的胡佛不能说完全是伟人形象，但的确有为其辩护的嫌疑。
电影开篇八个城市同时遭炸弹袭击，犯罪现场的领导们装模作样，一副根本不准备干实事的德行。这时胡佛踩辆自行车屁颠屁颠来视察现场，那身手真是人民的好干部，接下来就是升官、跟young lady约会，他将管理美国国会图书馆的理念运用到FBI，改组整治FBI，创建指纹库，林德伯格绑架案使FBI名声鹊起，胡佛权势持续扩张。
托胡佛的福，广大影迷终于见到自毁形象很多年重新变美颜的小李！面部光滑、眉心的“川”字不明显，虽然还是油光的大背头但放在20s乃是时尚先锋一枚。这个阶段的胡佛整个一乱世豪杰！
影片后半程，胡佛为了扩张掌权势力不择手段调查和迫害激进人士，收集政要丑闻作为威胁他们的武器，总统甚至因为怕丑闻公之于众而不敢解雇他（其实总统本人也不确定丑闻是哪一则...），这个部分在观众看来应该是胡佛臭名昭著的昏招，却被伊斯特伍德描述的像维护自身权利的防守，胡佛不断礼貌地提醒各位政客做好分内即可千万别乱来，伊斯特伍德又不停安排情节为胡佛找借口开脱，以至于胡佛职业生涯尽头的癫狂没有高潮迭起惊心动魄，能感受到他越来越变态和偏执，但不知道为什么，也无法认同他对着镜子发泄的源头.
这个部分印证了影片上映后北美媒体的主要槽点，因为不完整而越发展越荒谬，将胡佛传奇的从政经历横跨的数十年娓娓道来，并且老年和青年交替行进太难了，它需要将历史事件一一对应以便制造出精彩的呼应，《胡佛》就像当年不间断的各色变革和冲突一样，突兀之感到处都是。另外，影片没完没了的闪回闪前有点难跟进，丝毫不见政治斗争的紧凑感。

②值得肯定的是编剧达斯汀·兰斯·布莱克没把《胡佛》写成浪漫的钙片，电影的迷人的黑暗气息和冷峻还在。当中有一幕与克莱德·托尔森的吻戏，但两个终年未婚男人的暧昧仅作为胡佛职业生涯的附属品存在，另外包括与机要秘书海伦·甘迪的关系也没占用太多时长。
事实上在《胡佛》中，克莱德和海伦的功效是映射出胡佛比坛上更真实更软弱的一面，在克莱德面前胡佛是孤独的老头，他在影片中没有一刻不身处于矛盾争端，追逐权力的同时变得愈发虚伪和贪婪，克莱德的每次出现都将胡佛从政要拉回到普通人。一个女秘书帮政坛霸王干侵犯政要隐私的勾当超过50年，帮他处理公事和私人情感，红颜知己海伦对于胡佛来说简直像个垃圾桶，堪称史上最坚韧的女秘书！在左膀右臂的加持下胡佛形象还算饱满。
另外，剧本没有仅仅摇摆于胡佛的青年与老年，或是往返在他的公开场合与私人密会，而是将这些部分通过胡佛自己同自己辩论的方式呈现。论台词，《胡佛》没有一个字是多余的，全部声东击西暗有所指，显示出达斯汀·兰斯·布莱克的功底和内涵。

③个人对小李的才华和冲奥韧性非常崇拜，也总听人说奥斯卡欠小李人情，影帝早应该拿到手，看过《胡佛》突然意识到他总为别人得奖而鼓掌是有原因的。小李19岁演《不一样的天空》时还属于走心型演员，follow his heart，后来被几位大导演调教得越来越方法派，电影开拍前查阅无数相关资料，一入戏就将自己消遁于无形，抹杀李奥本人，抹杀之前所有成功角色的存在。
演胡佛也一样，不论服饰发型，不论化妆，那个眼神就已经证明李奥已经抓到胡佛神髓。演胡佛可能是小李入行以来遇到的内心活动最多的角色，得志时的狂妄、斗志时的坚毅和失意时的沮丧都是即浮夸又张扬，小李的表现当然也是无可挑剔。但方法派演员的一个通病是很难带来观影的惊喜和全新感受，所以小李每次出击都获得大把赞誉，当中也夹杂着用力过度、太戏剧化反而不真实、表演痕迹太重等稍负面的评价。
影帝提名早已尘埃落定，这样一部饱含了小李的无尽心血和诚意的野心大作沦落到食白果的地步，今年《了不起的盖茨比》瞄准圣诞档，又是一部向学院献礼的申奥片，重回20s的小李该不会...或许等到小李不再逢拍片必冲奥时，他就不会因用力过猛遭诟病，影帝也就水到渠成了。

《艺术家》--------电影是个伟大的哑吧


在人类发展史中出现的众多艺术形式，电影可以说是最年轻的艺术（这里说的艺术是广被接受的大众艺术）。我们可以确切的知道电影诞生的日子——1895年，但我们无法知道其他诸多艺术形式诞生的准确时间。绘画、音乐、雕塑、甚至戏剧……这些古老的艺术可以追溯到人类的远古时期，而这些古老的艺术发展到今天，在大众的接受程度上，都无法与电影相庇美。电影几乎是刚被发明，就成为了最受追捧的大众艺术形式。
而电影之所以被受青睐，是因为它比音乐或绘画等艺术形式更进一步地具备了造梦的工能和更出色地完成了奇观的制造。这个世界上最年轻的大众艺术形式，有它的先天优势——制造白日梦，而它也有先天的悲剧成分，就是电影在诞生之日起，就伴随着铜臭味儿和机油味儿。这里先说说“机油味”，之所以说电影带有机油味，是因为电影就是一个工业机器制造出来的玩易儿，而展现这种艺术的方式也必须借助于机器，而机器在传统的价值观中，是臭恶的及反自然的。电影的制造过程也毫无艺术可言（以下言论代表早期电影评论思潮），我们可以坐在台下享受一台戏剧，戏剧之美无需赘述，而制造电影的过程却难以与艺术相关，因为演员的戏剧表演跟电影表演几乎是两回事。当然，电影是一门伟大的艺术，但仅仅在它完成的时候，现在已毫无争论的必要，但它的制造过程却毫无艺术之美，这是跟其它艺术形式所不一样的。其他的艺术可以说是一种创作过程，而电影，我们要说它是一种制造过程。一个好的戏剧演员，我们可以称他为伟大的表演艺术家，而一个好的电影演员……他只是一个会动的道具，其重要性还不如剪接。
再说说“铜臭味”，任何一个传统的艺术形式，它们的内核驱动力，都有一个人类普遍认同的、崇高的、永不过时的价值观，比如歌颂自由、赞美爱情之类的。当然电影也表达了这些普世价值，但毫不讳言，电影发展的真正驱动力除了崇高的普世价值，更重要的，就是它能更好的赚钱。电影自发明之日起，就是一个相当好的赚钱的机器，而关于电影的一切技术革命，在完善这个艺术形式的同时，其根本的目的就是为了让它更好的赚钱。我们相信，一个新的画派或一个新的音乐类型的出现会让艺术家赚更多的钱，但艺术家不会为了赚钱而故意去创造一个画派或发明一个新的音乐类型，或者说，这些传统艺术的创新的最大驱动力，不是为了钱，而是为了艺术本身。而电影则不同，在电影的诞生之日起，钱成为了电影创新的最大驱动力，也正因为此，电影在金钱的强大驱动力下，到今天的100多年时间里，发展的如此完善和完美。所以我们就可以理解，在1927年，第一部有声片问世时，虽有那么多出名的，掌握话语权的默片明星反对，可电影还是不可逆转的进入到了有声片时代，因为开口说话可以挣更多的钱。用电影里的“字幕”说：因为群众喜欢，而群众总是对的。
但我们所知的众多艺术形式，都是有局限性的，而这种局限也成为了这种艺术美的根源。比如绘画是平面的，且不能体现时间，而音乐却不能眼观，所以没有了空间表达，但它却是有关时间和旋律的艺术。而对早期电影来说，这种艺术之所以伟大，是因为它是无声的，这种局限性，也是它美的根源。电影就是一个伟大的哑巴。而当这个哑巴开口说话时，艺术的局限被打破，电影变成了跟我们的生活没两样的艺术，如果它跟我们的生活没两样，那么它还能称之为艺术吗？所以，当这个哑巴开口说话时，电影就已经不能称之为艺术。我们看到了，在《艺术家》中男主角所代表的失势的默片明星，在初看有声片的实验片时，那种不以为然，还连篇累椟地发表文章，表示对有声片的不屑。而在《雨中曲》中，也有类似情节，当默片明星们听说《爵士歌王》上映时，也不屑地评论。然而，当《爵士歌王》所代表的有声片大卖时，制片人和观众都毫不留情地抛弃了无声电影。不有声片所代表的技术革新也一次次地改变着电影工业的格局，我们一次次地看到长江后浪推前浪，一代代的老电影人被新电影人所代表的新技术一次次地打翻在地。有声片如此，之后的彩色片，3D电影同样如此。
其实对电影的老技术没什么怀念不怀念的，说得直白点，就是好的取代了差的，新的取代了旧的。《艺术家》中的女演员在答记者问时，就如实说出了这个观点，有点残酷，但这是事实。于是，我们可以理解在《雨中曲》中，众明星很快投入到了有声片的表演中，对无声片没有表现出一丝怀念，而那个尖嗓子的女明星很快被众人抛弃。在描绘从无声到有声的电影过渡阶段时，《雨中曲》是喜感十足的，在影片的中段那个既将过气的无声片女演员在拍摄有声片时的笑料百出，也是对默片的一种讽刺。而《艺术家》在描绘这一阶段时，是悲情的，在怀念默片的同时，其实更带着某种可怜，因为在影片中，我们并没有看出对默片这种艺术形式的推崇，虽然影片是以默片的形式拍摄的，但这种模仿，只是一种为了怀念而怀念的行为艺术。我们可以更明白地看到，《艺术家》中的男主角，他的愤闷和苦恼，并不是因为默片比有声片更好，他不出演有声片，只是因为他的傲慢和自尊。当这种自尊到最后终于找到台阶下后，他仍然投入到了有声片的演出中。《艺术家》用默片的形式拍摄，无关电影技术的探索，只是一次怀旧的玩票。
电影是个技术活，也是个为技术而生的艺术，只要能卖，它将继续革新下去。
THE END

第84届奥斯卡颁奖-----------红毯盛放

红毯盛放2

第84届奥斯卡颁奖

本帖最后由 wzp 于 2012-3-14 16:41 编辑

《歌剧魅影25周年音乐会》 2011年10月2日

导演: Nick Morris
编剧: 加斯顿.勒鲁
安德鲁.洛伊德.韦伯
主演: Ramin Karimloo
Sierra Bobbess




　　由安德鲁·洛伊德·韦伯创作的《歌剧魅影》是有史以来最成功的音乐剧之一，它的全球巡演票接近50亿美元
，超过了任何一部音乐剧作品甚至是《泰坦尼克号》、《阿凡达》这样的影片。为了纪念该剧在伦敦西区首演的25周年，一场特殊的歌剧音乐会上周日在英国伦敦皇家阿尔伯特音乐厅上演，并且通过卫星向多个国家和地区的影院里直播。仅在周日一天，在255块银幕上直播这场音乐会的影院票房就达到了55万美元，是当日《锅匠、裁缝、士兵、间谍》票房的两倍。同样这场音乐剧在荷兰也登上了票房榜，接下来还将在德国、北美等地上映。喜欢《歌剧魅影》的音乐剧迷们可以在11月在全球欣赏到它的蓝光DVD版及DVD9版。

《艺术家》 2011年5月15日


导演: 哈扎纳维希乌斯
主演: 让.杜雅尔丹



向电影工作者们致敬！向为电影艺术发展作出卓越贡献的表演艺术家们致敬！

本帖最后由 wzp 于 2012-3-16 14:02 编辑

重看《在云端》 2009年12月23日




影片中 Ryan的生活方式更令人沮丧的是他的工作内容：解雇、解雇、解雇。Ryan所带的那位锐意进取的大学生 Natalie（Anna Kendrick）在听到被她解雇的员工绝望威胁要自杀时，炒鱿后跳河自杀了时,不得不逃到大楼外面平复情绪。但作为观众的我真的很难同情这个职业，尤其大学生Natalie。坏消息的使者是个两面不讨好的角色，但比起使者的这份尴尬或强装出来的尊严，还有一遍遍重复的虚假励志套话，面对镜头讲述自己失业经历、表演自己失业过程的真实的人们，那份从心底真实流露出来的绝望、恐惧、震惊、迷惘、无助、失措、委屈、愤懑、受伤，才看得人心如刀割。在这个一片物价上涨,大学生毕业难找工作的社会中，唯一的安慰也只有家庭，只有亲情。










2010年对我来说注定是充满变数的一年，因为这是告别大学生活后开始摸索适应的第一年。一直以来以为自己驻立于理想主义的高峰，却有意无意地回避着路在何方的困境。在云端的感觉固然缭绕，没有翅膀的我们也只能是在梦里才能徜徉。当生活的压力以真切的困窘向你逼来时，当现实的落差让你退到最后的心灵角落也无所遁形时，电影并一定永远是最好的疗伤工具。

很久以前有朋友问过我，看电影太多了会不会有逃避现实的征兆。我很利落地告诉她不会，因为我把现实和虚幻分得很清楚。现在再问的话，我可能会迟疑：潜意识之中我是不是真的把电影看得太重，把除它之外的万物看得太轻了呢？

我能精准的感受到电影里每个人物一颦一笑背后的千沟万壑，但我是否能注意到每个爱我的人一针一线所蕴含的风起云涌？我能真切的体会到心仪电影中每个镜头中所流淌的浪漫，但我是否能面对现实的琐碎枯燥时也同样安之如饴？在我时常沉醉于彼岸时，我是否简单粗暴地对待着此岸的一切？这些疑问常常令我无言以对。

今年看得电影不少，写得东西不多，生活的重心开始迁移，必然会占据一部分空间。但思考和感受并不会因为不付诸笔端而无故停滞，我会一如既往的将其贯穿在电影之中，为每一年划上一个相对完整的句号。

电影并不是生活的全部，但确实是最美好的事情之一。

《铁达尼号》3D电影

本帖最后由 wzp 于 2012-5-3 15:46 编辑

《自杀空间》 2012年




注: 此片为波兰影片


导演: 扬.科马萨
主演: 雅克布.盖尔绍
罗玛.加西罗斯卡 等




非常喜欢这类风格的青春电影，劲酷如一首重金属迷幻摇滚。
说来惭愧，之所以看了这部电影是因为豆瓣上一张帖子“来一张电影里的少年”。然后就被男主角雅各布·盖尔绍（当然当时我还不知道他的名字）彻底秒杀。那张脸真是精致到近乎完美。那玩世不恭的小情绪不经意地停留在那挑起的眉梢上，若有还无的妖娆蛊惑盘旋在唇角，不留神时无法觉察，惊醒之时已被他俘虏。



这部电影理所当然被誉为“二十年来最酷的波兰电影”。当然其中不乏过度夸张的溢美之词，但是，出自一位八零后导演之后的本片带着一股天然的叛逆劲儿，大声地否定这个扭曲的现实世界。
男主角多米尼克来自一个富裕的波兰家庭，父亲是政府高官，母亲是服装界女强人，他就读一所私立学校，有固定的朋友圈子，课余时间去练空手道，时常陪父母参加那些无聊的应酬酒宴和歌剧。他的生活看起来完美而正常。但一颗空虚的种子早已深深埋藏在他的心灵深处，等待着一粒火星的点燃。
那一点并不遥远。毕业派对那一天，他在朋友的起哄下和男性好友埃里克接了吻。这段视频立马被上传到Youtube疯传，脸书上全是同学们肆意的猜测和调侃。更糟的是，他在和埃里克对练空手道的时候产生了生理反应。铺天盖地的网络舆论让他羞于再踏进社交团体里一步。
他把自己关在屋子里。在网上东晃西晃的时候，他发现了一个游戏论坛“自杀空间”，结识了一个名叫西维亚的女孩。西维亚也是因为一段用小刀在手臂上雕刻的视频而走红网络，她每天宣称“我还活着是我今天最大的错误”，在“自杀空间”里被人称作“女王”，声称自己三年没有踏出屋子一步。西维亚让多米尼克在网络的虚拟空间中找到了一种说不清的亲近和情感寄托。他开始在这个“自杀空间”里面越陷越深。


《自杀空间》海报——简笔画，手机、电脑、还有那些缠绕的网线让人们的生活在网络的泥潭中越陷越深，这把双刃剑，伤人伤己。

这个议题其实并不新鲜，换个被人丢臭鸡蛋的说法就是——网瘾少年的毁灭之路——听起来多么像都市报社会版的新闻报道。但是这么个老套的题目在导演的笔下充满了劲酷的青春味道，实属难得。
二战后关于这种充满写实味道的非美国制造青春电影涉猎不多，故不敢在此妄言。但据我个人看过的，包括《爱跳舞的芭蕾少年》（俄罗斯电影），《爱之伤痕》（丹麦电影），《在全世界面前》（巴西电影），《薄暮之河》（荷兰电影），《关于莉莉周的一切》（日本电影），《阳光姐妹淘》（韩国电影）等等，大多探讨战后，尤其是八零九零后青少年的心理状态。西方国家的福利制度让他们不再理解什么是挨饿受冻，中产阶级的家庭环境，父母双职，家中一般有几个兄弟姐妹，但他们大多很不快乐，却自己也不知道什么原因。他们无法寻求到所谓的共鸣和知己，他们寻求特立独行，寻求群体认同，但又不善于和世界打交道。家庭的情感淡漠和与父母的缺乏沟通让他们把好不容易得到的同龄人认同紧紧抱在胸前，无论如何也不撒手。这种情况下，他们很容易被诱惑，很容易被欺骗，很容易受伤害，很容易迷失自我而不自知。这大概是这些青春物语所要讨论的共同话题。
我很喜欢这些电影中营造出来的时代感。像《阳光姐妹淘》和《爱跳舞的芭蕾少年》，还有这部《自杀空间》，观众可以从电影中感受到当时独特的时代气氛，那些巨大的、甚至是残酷的政治事件被轻描淡写地带入电影，变成一种独特的青春色彩。尤其像曾经生活在苏联社会主义体制下的东欧国家，那些成长在九十年代的少年无法从历史中找到认同——当一个国家一夜之间就可以颠覆曾经坚持了那么多年的意识形态，你指望这个国家的青年人去信仰什么呢？但是，解体后二十年的今天，这些国家的导演可以坦然自若地谈这段历史，甚至带着一丝调侃的味道。插一句题外话，我觉得中国能做到这一点的也许只有姜文的《阳光灿烂的日子》可以与之相提并论，当然这是完全不受我党待见的一部作品。中国人对历史格外的严肃态度限制了这类题材电影的创作，但个人认为这不失为一种解读历史的角度，甚至更为真实而深刻。
回到电影本身。很难相信雅各布·盖尔绍的新人身份。这个男孩在网络上资料少的可怜，但看过这部电影，你就可以了解他对角色的把握和表演的爆发力是那么的惊人。他绝不是空有一副好皮囊的花瓶。那瞬间崩溃的神情，那极端暴虐的情绪，那眼角硬生生流下泪来面部表情却还是空洞冷漠，那带着挑衅的玩世不恭，那放下全部尊严的苦苦哀求......他的表演那么复杂而多变，非常精彩。
少年的心理最难揣摩，也最脆弱。有的时候他们并不是真的对世界绝望，他们只是想找一种方式让世界注意自己。虚拟的网络世界给予他们一种莫名的巨大力量。面具之下，他们肆意地对着这个世界比中指，他们在虚拟的空间中打造自己的个性形象，寻求“志同道合”之人。而现实世界中，他们还得和无聊的世界继续相依为命。在某种程度上说，生活在网络时代下的年轻人都是人格分裂者。
每天手机不离手，眼睛不离电脑，拇指族，低头族，电玩动漫言情小说，刷FB微博人人成为一种习惯性动作，宅男腐女队伍日益扩大......我们的父辈也许完全无法理解我们的生活，但是，拜托，我们就是这样的，和西方国家的青少年真的没有那么大差别。请正视，我们不再是那红领巾迎风飘扬的画中少年了。
这部电影几乎集合所有该出现的青春物语元素，包括同性之爱。多米尼克喜欢男人吗？谁知道。也许他和埃里克的吻只是一种无所谓的尝试，只是同龄人起哄下的即兴产物，更可能只是导演让这部影片犀利到极致的噱头。但无论怎样，同性恋这个小小的标签让男主角更加孤单，更加疏离，更加迷茫。没人试图理解他，却都要来观看他，治愈他。



影片的结局，多米尼克自杀了，一直宣称要自杀的西维亚却活了下来。西维亚跑出自己的屋子，站在空旷的草地上，大声地哭号。服用过量安眠药的多米尼克在死之前大声地哭着呼唤父母的救援：他真的没有多想死的呀。尽管生活没有意义，不，不能这么说，也许生活本身的意义就是“活着”。他们不懂死亡的含义，就如同他们不懂生存的含义一样。他们太年轻，他们其实多么害怕孤单和死亡。
影片塑造了一个炫丽的网络世界，采取日系的动漫风格和配乐。多米尼克和西维亚在这个世界中像一对侠客情侣一般美好。他自以为自己爱她，却从没见过她面具下的真实模样。多米尼克的父母自以为提供给了儿子一切优越的东西，以为钱可以解决一切问题，他们所缺的唯一一样东西就是：沟通。
和大理石接吻、高调宣称自己喜欢男人、画着眼线穿着铆钉让自己看起来格格不入的举动，也许只是少年无助的顾影自怜。
少年的世界可悲而滑稽。多米尼克的世界幻灭了。他生前最后的一刻被手机拍下来上传到了Youtube，成为点击率超高的视频。仿佛莫大的讽刺。

本帖最后由 wzp 于 2012-5-25 15:52 编辑

马龙·白兰度Marlon Brando——叱咤“封”云
马龙·白兰度Marlon Brando，从1950年开始就可以称得上是美国最棒的演员。自然、完美而独特的演戏风格使他成为影坛最有影响力的人物之一。马龙·白兰度是第一个真正反好莱坞的好莱坞明星，从来不服从于体制对他的局限。“我呆在好莱坞的唯一理由，是我没有足够的勇气拒绝金钱。”他总是太狂妄，太执着于真实，这样的人无法定义，也无法复制。

马龙·白兰度出了名风流成性，与不少女性传出绯闻或有一段情，包括关南施。在他的自传《Songs My Mother Taught Me》中，他甚至宣称他曾与玛丽莲·梦露Marilyn Monroe有过一段关系。当Gary Carey因撰写一本有关白兰度的传记（即1976年出版的《The Only Contender》）而访问马龙·白兰度时，马龙·白兰度宣称他与男性亦曾有过经验，更不会因此感到羞愧。

马龙.白兰度主演过著名的世界经典电影: 《现代启示录》
《教父》
《欲望号街车》

第65届戛纳电影节闭幕 哈内克《爱》摘得金棕榈

《白丝带》 2009年10月

注: 此片为德国影片


导演: 迈克尔.哈内克
主演: 克里斯蒂安.弗里德尔




回顾世界影坛，我觉得2009年度最具艺术震撼力的影片，是夺得了该年第62届法国戛纳电影节金棕榈大奖的德国影片《白丝带》。难能可贵的是：德国导演迈克尔·哈内克在这个世界变得越来越浮躁，在太多的电影人越来越关注影片的视觉冲击力和音响震荡力的时候，以他特有的艺术大师的真知灼见，和他特有的艺术感悟力，反其道而行之，用单纯的黑白影像和极少数片段内源自故事情节本身的音乐效果，给我们带来了一部极富哲理的、拷问人性的，能给人带来深深思索和无穷想象的精品电影之作，就是这部戛纳皇冠影片《白丝带》。如果哪位电影人现在还不了解电影作品的感官震荡力和心灵震撼力有什么区别，或是有意无意地把两者混为一谈的话，那就请看看这部真正的电影艺术大师的精品之作吧。这是一部让人看的时候屏声静气、目不转睛、心领神会又浮想连篇的影片；也是一部让人看完了以后欲罢不能、留恋忘返、感慨万千又夜不能寐的影片。
影片的故事看似很简单，是一连串发生在上世纪初的德国一个乡村中的故事；主要说的是以第一人称讲故事的乡村教师“我”，对村里的五户人家：男爵家、村长家、牧师家、医师家和农夫家的观察和讲述。那么，教师“我”都看到了些什么呢？他的疑问是什么？他又想说明什么呢？教师主要看到了六张脸下的六颗心，更准确地说，是六张寻常脸下六颗不寻常的心。
第一张脸是男人的脸。体面男人表面上是衣冠楚楚的、相貌堂堂的，内心里却是充满邪欲的、虚弱伪善的。村长居然在村民狂欢的场合，光天化日和众目睽睽之下，看到男爵家的少女小保姆就来了性致，色胆包天地想把坐在小保姆旁边的老婆孩子支走；而到处宣讲天经地义的牧师，明明知道他那歹毒的女儿，仅仅因为他当着女儿同学的面，给了她一次难堪，就残忍地把他心爱的小鸟刺死，并把凶器和鸟尸示威似的放在了他的写字桌上，可当女儿的老师来向他反应他女儿的邪性的时候，他却用体面之家的招牌，来极力遮掩他心知肚明的孩子们的邪性。
第二张脸是女人的脸。朴素女人表面上看是朴实本分的、端庄贤淑的，内心里却充满着疯狂欲望和残忍算计。四十岁左右的接生婆瓦格纳就是这邪恶女人的一个代表。她在医生的妻子还活着的时候，就与医生勾搭成奸了，因此怀孕之后，她怕奸情败露，想打掉孩子；结果孩子没打掉，却被打成了傻子。为了能更顺畅地通奸，她和医生合谋害死了医生的妻子。可惜，这残忍换来的是她的遭厌恶和抛弃，医生只是在想着更年轻更漂亮的女人又得不到，想到城里去找妓女又鞭长莫及的情况下，才不得不忍受着她的口臭味找她泄欲的。而当医生对她已经没有了任何感觉，狠狠地抽她大耳刮子并让她滚蛋的时候，她那不知羞耻的下三烂样子，让她看起来更像只母狗！为了让她心爱的男人再来干她，她不惜自导苦肉计，把傻儿子的眼睛打伤了，以此来吸引孩子他爹怜悯下的回心转意。女人如果没有了自尊心的遮掩，在兽性的驱使下的本能表现，是多么地卑微和下贱呀！
第三张脸是孩子的脸。未成年的孩子表面上看起来很幼稚、很单纯，内心里却带着与生俱来的和莫名其妙的邪心。他们的读书心思有限，却把更多的精力放在了算计别人和损害别人上。不管是医生骑马的时候被事先安排好的绊马绳绊倒摔伤一事，还是男爵的长子被人捆绑着打的皮开肉绽，扔在村里的锯木场里一事，以及这个可怜的孩子被村长的儿子无缘无故地扔进了池塘一事，都或明或暗、或多或少地与这帮闲来无事又心术不正的孩子们有关。当然，并非所有的孩子都那么卑劣了，同样是牧师的孩子，女儿宰杀了他心爱的小鸟，儿子却把外面一只受伤了的小鸟拿回家来养伤，并在小鸟伤愈之后送给父亲，以弥补父亲缺失了那只心爱的小鸟之后的心里遗憾。
第四张脸是正人的脸。表面上的正人君子，却可能是心术不正的。代表人物就是故事里的医生。这个表面上以救死扶伤、拯救生命为天职的医生，背地里却干着伤天害理、禽兽不如的勾当。他和产婆合谋害死了他的结发妻子——他两个孩子的母亲，而他对亲人的残忍并没有就此收手，看着日渐长大了的女儿，他居然对年幼的儿子说着“美丽是要付出代价的”，而把魔手伸向了自己才刚刚十四岁的亲生女儿。
第五张脸是贵人的脸。富贵、尊贵、高贵的显赫外表下，是一颗专横跋扈、欲壑难填的心。养着村里一半农户的村里最富有的贵族人家男爵之家里，丈夫用专横和冷漠对待着妻子，妻子也不甘示弱，先是和家庭男教师搞在了一起，而后又在她去叔叔家暂住的时候，和叔叔的银行家朋友打得火热。看来，显得尊贵比做得尊贵要容易得多！
第六张脸是下人的脸。下人看似朴实憨厚的外表下，却有着一颗强烈的猜忌心和报复心。男爵家的农户之一的农夫妻子由于手臂受伤，而被男爵照顾在锯木厂里打工，没想到她在厂里出了事故而死亡了。农夫之子怀疑此事是男爵有意所为，于是，带着猜忌和愤恨之心，出于报复的目的，他把男爵家一畦菜地里已经长成了的卷心菜全部打得稀烂。而男爵也没有善罢甘休，他马上赶走了农夫家另一个在他那里打工的孩子，并且收回了原本租给这家农户的土地。走投无路的农夫，反报复烧掉了男爵家的谷仓后，上吊自尽了。
这些看似有些家长里短的乡村故事，实际上是编导通过我们身边似曾相识的凡人小事，在对人性作出剖析、思索和追问：人之恶是怎么来的？是源于人本性中的缺陷呢，还是在后天的成长环境中，被潜移默化地影响形成的？恐怕是两者都有，而编导更倾向于前者。
编导在对人性表示出极度的失望的同时，也对大自然的造化和美景表示出了深深地崇敬和仰慕，那冰雪世界中冰清玉洁的乡村美景，就是编导在给我们讲述了太多的人间邪恶之后，作为反衬要告诉我们的理想世界：在大自然的阳光照耀下，在厚厚实实的白雪覆盖下，我们所生活着的这个世界，看起来才是纯洁美好的，而象征着纯洁的白丝带，就在这纯清洁白的冰雪世界中。

本帖最后由 wzp 于 2012-6-14 15:13 编辑

永远的绅士：格利高里·派克




派克的电影你最喜欢哪部？

《勃朗特姐妹》 1979年5月9日


导演: 安德列.泰西内
主演: 伊莎贝尔.阿佳妮
玛丽-弗朗丝.皮西尔
伊莎贝尔.于佩尔

《雨果》 2012年5月31日


导演: 马丁.斯科塞斯
主演: 阿沙.巴特菲尔德

本帖最后由 wzp 于 2012-7-13 12:02 编辑

《西伯利亚理发师》 1998年10月5日

注:此片为俄罗斯影片


导演:尼基塔.米哈尔科夫
主演:朱莉娅.奥蒙德
理查德.哈里斯

本帖最后由 wzp 于 2012-9-14 13:55 编辑

《林肯》 2012年11月9日

导演: 史蒂文.斯皮尔伯格
主演: 丹尼尔.戴一刘易斯

“镜头后面的人”---------派拉蒙历史上值得记住的十位摄影师





“镜头后面的人”
——派拉蒙历史上值得记住的十位摄影师

画面，是电影的灵魂之一，是视听语言的最重要的组成部分。没有声音，电影还可以当作默片来欣赏；那么没有图像。电影只能是“蹩脚的广播剧”了。关于摄影师在电影拍摄中的作用，有这么一个段子可以说明问题。它说的是，某一天，几个人在讨论电影，无意中说到了某个导演“拍摄”的某部作品。这个时候，这部影片的摄影师站了起来，大叫，这部电影是我“拍摄”的。众人问道，那么导演是做什么的。这个摄影师不紧不慢地回答道，我架好了机器，布好了光，让演员走到了合适的位置上，然后导演过来，看了一眼取景器之后说，好，就这么拍。其实，这个摄影师说出一部分的实情，还有另一部分的实情是，某些导演根本不会去看什么取景器。如果他对于摄影师绝对放心的话，那么电影的“长相问题”，他根本不会在拍摄的时候去关心。

在派拉蒙100年的历史里，值得我们记住的摄影师非常之多。比如拍摄了《教父》，开创新地使用了低调布光法的戈登·威利斯；比如和比利·怀尔德合作了大半辈子的约翰·F·赛兹，比如厌倦了法国新浪潮，而“逃亡”到好莱坞继续拍摄“父亲电影”的法国摄影师亨利·阿勒坎。这些摄影师，有师承，有创新，还有开启。在《教父》之后，很多讲述黑帮故事的影片都使用了低调布光法，都让人物淹没在黑暗之中，都故意不把人物的眼睛打亮，以造就一种神秘感和紧张感。还记得那部摄影同样出色的《毁灭之路》么，在那部电影中，康拉德·赫尔就使用了低调布光法，而影片也成为了新千年里的经典。

当古典主义摄影被一种新时代的手持式摄影取代的时候，我们对手持式摄影的先驱，更应该投去深情的一瞥。在《唐人街》一片中，约翰·A·阿方索就使用了大量的手持式摄影。或许是拍摄纪录片的经历使然，又或许是他想用一种轻微的失焦和抖动来营造恐慌和不安的氛围。应该说，他的这种选择是正确的，而艺术的表达，也是恰当的。到今天，手持式摄影已经被广泛地用在各种影片中。只是，现在的手持式摄影，显得有些滥觞。因为无论是不是必须，导演都喜欢把手持式摄影加诸在电影之中。有个笑话，说的是一个还没出名的小导演，急急忙忙要拍自己的一鸣惊人之作。他辗转找到了一个摄影师，不给剧本、不说想法，第一句话问的就是，你会不会手持摄影。在得到了肯定的回答之后，他便当即拍板，签下了这个摄影师。后来影片大败——因为手持摄影机，并不是万金油。

其实，作为“实际拍摄”了影片的摄影师，对电影的重要性毋庸置疑。如果说“摄影机就是自来水笔”，那么操作它的“作家”就是摄影师。问题在于摄影师在多大程度上能成为导演表达自我的利器，又在多大程度上会成为限制导演话语的消音器。“以我手写我心”，这是每一个作者最理想的表达境界。但是电影的复杂性就在于，导演心中的想法必须要借助别人的手才能表达出来。最终的表达结果究竟是南辕北辙还是相得益彰，这完全取决于导演的说服力和艺术修为。摄影之于电影，就好比文字之于文章，而摄影师，则是那个“镜头后面的人”。

你还记得下面照片是哪部电影的,其中有《了不起的盖茨比》、《埃及艳后》、《罗马假日》等

本帖最后由 wzp 于 2012-9-14 14:34 编辑

《野兽花园》 2012年12月


导演: 米歇尔.哈扎纳維希乌斯
主演: 汤姆.汉克斯


　　《野兽花园》原著全名为《在野兽花园的日子：爱情、恐惧，一个美国家庭在希特勒的柏林》。小说根据真实事件改编，故事围绕着1933年美国驻纳粹德国大使、性格温和的威廉·杜德一家展开。杜德起初并不愿意驻守德国，但到达柏林后，一家人还是不由自主地被德国的惬意时光所吸引，而他的女儿——社交名媛玛莎，更像是在异域发掘了广阔的新天地。她除了和盖世太保调情暧昧之外，还和一位苏联间谍纠缠不清，而当希特勒亲吻自己的手时更是兴奋不已。可是随着时间的推移，大使和他的女儿终于对纳粹德国的种种行径感到难以忍受……

　　环球公司早早就拿下了《野兽花园》的影视改编权，并准备与汤姆·汉克斯及加里·高兹曼的Playtone制片公司联合制作。为保证影片质量，除汉克斯本人有望亲自主演杜德一角外，环球还希望为影片寻觅一位足够分量的导演，而米歇尔·哈扎纳维希乌斯去年在奥斯卡上的表现让他很有希望最终执导该片。

下面的照片是真实的威廉.杜德一家

永恒的天使---------奥黛丽.赫本(2)

前已发表过第一辑,现继续发表第二辑照片。

《希区柯克》 2012年11月23日


导演: 萨沙.杰瓦西
主演: 安东尼.霍普金斯
斯嘉丽.约翰逊